怎么介绍桃花源？
桃花源这个名胜古迹，神洲大地家喻户晓，东晋大诗人陶渊明在《桃花源诗并序》中描绘的“世外桃源”，环球之内尽人皆知，久负盛名的桃花源究竟在何处?权威工具书在有关“桃源山”条目的解释中明确指出，桃源山“在湖南省桃源县西南，下有桃源洞，又名秦人洞，白马洞”，是东晋陶渊明所记桃花源的遗址。
亲，按照参考教材提示介绍就可以了。
中国画从表现形式上可分为哪几类?从题材又可分为哪几类?
按表现形式分：工笔画、写意画、小写意画、大写意画、重彩画、水墨画、白描画、敦煌壁画。按题材分： 花鸟画、 山水画、 人物画。中国画，简称"国画"，它是用毛笔、墨和中国画颜料在特制地宣纸或绢上作画。中国画大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装璜之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。在魏晋、南北朝、唐代和明清等时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。扩展资料：中国画的特点：中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。中国画有着自己明显的特征。1、讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉2、 讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。3、讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响4、 讲究空白的布置和物体的“气势”。参考资料来源：百度百科-中国话
高中历史必修Ⅲ,概述中国古代绘画的起源与发展脉络.
中国古代的绘画起源于新石器时代，发展脉络如下：
1、绘画的萌芽
石器时代是中国绘画的萌芽时期，伴随者石器制作方法的改进，原始的工艺美术有了发展。但在若干年以前，我们所掌握的中国绘画的实例还只是那些描画在陶瓷器皿上的新石器时代的纹饰。但近年来，在中国的许多省份发现了岩画，使得史学家们将中国绘画艺术的起源推前至旧石器时代。在这些众多的发现中，也包括了许多描绘人的图像，有些堪称宏幅巨制。内蒙古阴山岩画就是最早的岩画之一。在那里，我们的先人们在长达一万年左右的时间内创作了许多这类图像，这些互相连接的图像把整个山体连变成了一条东西长达300公里的画廊。据推测，是宗教或巫术的感召促使先人们不辞辛劳地创作了这些图像。类似的图像还可以在苏北的连云港孔望山将军崖岩画遗址中见到。
2、新石器时代的绘画艺术
探讨新石器时代的绘画，我们仍然要把目光投向那些地处边远地区的神秘岩画。在云南沧源发现的岩画反映了人类的活动，包括狩猎、舞蹈、祭祀和战争。岩画的构图更趋于复杂，所表现的内容也由单个的物体发展为互相关联的具有动感的人。它们的存在使我们看到了中国绘画发展的一个重要时期。当然，这个时期艺术家们在绘制岩画的时候并没有任何的边界的限制，岩面也并没有作任何的处理，它们的创作是无拘无束的。
这一切的改变源自于陶器和木结构建筑的出现，具有创造力和想象力的艺术家们马上就发现这些材料是绝好的作画之处，于是，缤纷的色彩和丰富的纹样出现在这些器物上。以质朴明快、绚丽多彩为特色的仰韶文化与马家窑文化的彩陶图案，是我国先民的杰出创造。此外，大汶口文化、红山文化、河姆渡文化等，也有一定数量的彩陶。仰韶类型的彩陶以在西安出土的半坡陶盆《人面鱼纹盆》最具特色，也最耐人寻味，关于这种图案具体的含意一直在猜测之中。庙底沟类型的彩陶的图像中最引人注目的是绘制于陶缸上的《鹳鸟石斧图》，出土于河南临汝闫村。该图以写实手法所描绘的鸟、鱼及斧据说代表了鹳氏族兼并鱼氏族的历史事件。此外，在青海大通出土的马家窑类型的舞蹈纹彩陶盆，描绘了氏族成员欢快起舞的景象，堪称新石器时代绘画艺术的杰作。
3、先秦绘画概况
在整个"先秦"时代中，春秋以前属于奴隶制社会，战国以后则进入了封建社会。伴随着社会分工的扩大，各种手工业得到了极大的发展，出现了所谓的"青铜文明"。统治阶级的需要带动了美术各门类的发展，绘画当然也不例外，有了长足的发展。但是，我们今天能够见到的先秦绘画遗迹少之又少，造成这种现象的原因被推测为大部分的绘画都绘制在了易于腐烂的木质或者布帛上面。在商代的多处墓葬中发现了残存的彩绘布帛，在商代王室的墓葬中更是发现了很多的木质品上的漆画残留。可见，用漆作为颜料绘制器物在当时已很广泛了，常用的黑、红两种基本色的并置形成了强烈的对比。据说，那时的漆绘制品经常是与铮亮的青铜器以及白色的陶器摆在一起的，极富观赏性。在殷墟也曾发现过建筑壁画的残块，以红、黑两色在白灰墙皮上绘出的卷曲对称的图案，颇有装饰趣味。西周、春秋、战国时期都有庙堂壁画创作的情况被记载下来，楚国屈原著名作品的《天问》就是在观看了楚先王庙堂的壁画后有感而作的。
幸运的是，在长沙的楚墓中先后出土了两幅战国时期的带有旌幡性质的帛画，它们都属于公元前3世纪的作品。两画描绘的都是墓主的肖像，一幅为妇人，其上方绘有飞腾的龙凤；另一幅则是一位有身份的男子，驾驭着一条巨龙或龙舟。墨线勾勒的侧面肖像及伴有象征意义的动物是两画的相同之处，所不同的是《人物御龙图》所表现出来的画家技巧要熟练了许多。
4、秦汉绘画概况
秦汉时期，是中国统一的多民族封建国家的建立与巩固时期，也是中国民族艺术风格确立与发展的极为重要的时期。公元前221年，秦始皇统一中国后在政治、文化、经济领域的一系列改革使得社会产生了巨大的变化。为了宣扬功业，显示王权而进行的艺术活动，在事实上促进了绘画的发展。西汉统治者也同样重视可以为其政治宣传和道德说教服务的绘画，在西汉的武帝、昭帝、宣帝时期，绘画变成了褒奖功臣的有效方式，宫殿壁画建树非凡。东汉的皇帝们同样为了巩固天下，控制人心，鼓吹"天人感应"论及"符瑞"说，祥瑞图像及标榜忠、孝、节、义的历史故事成为画家的普遍创作题材。汉代厚葬习俗，使得我们今天可以从陆续发现的壁画墓、画像石及画像砖墓中见到当时绘画的遗迹。秦汉时代艺术以其深沉雄大的气魄，在中国美术史上放射着夺目的光彩。
5、汉代帛画
汉代画在缣帛上的作品很多，但历经千年之后，遗存极少。目前最重要的发现有本世纪70年代分别出土于湖南长沙马王堆、山东临沂金雀山的汉墓中的西汉帛画。马王堆1号墓中出土的帛画的含意最为隐晦，学者们的解释极为多样，但一般都认为帛画的上部和底部分别描绘的是天界和阴间，中间两部分则表现的是死者軑侯夫人的生活场景。墓主及各种神禽异兽的刻画极为生动，勾线流畅挺拔，设色庄重典雅，显示了西汉绘画的卓越水平。此外，马王堆3号墓中的三幅帛画的重要性也不容忽视，除墓主人外，还描绘有"导引"、仪仗等内容，精美非常。金雀山的帛画内容与马王堆汉墓帛画相近，上有日月仙山、下有龙虎鬼怪，中间部分描绘的是墓主人的人间生活景象，此画"没骨"与勾勒相结合，反映了汉画技法
6、三国两晋南北朝隋唐绘画概况
三国魏晋南北朝的历史，是由统一而分裂的过程。先是魏、蜀、吴三国鼎立，随后由司马家族统一为西晋，但十六国的连年战乱，使得中国再次进入了一个分裂的时代。5世纪时，由北魏的统一和相继分裂而形成的北朝和西晋王朝偏安江左后被宋、齐、梁、陈替代形成的南朝相互对峙。政治的不稳定、时局的混乱动荡，带来的是经济的普遍衰退，但在意识形态领域却有了超乎寻常的改变。此时的统治阶级早已被儒家思想所左右，民间的风气也随之俯仰。纷乱的社会，又给宗教的蔓延和传播创造了极好的机会，社会各个阶层都对佛教有了更为迫切的需要和更为广泛的接受。作为社会意识形态的映象之一的书画艺术在此时也发生了强烈的变化。绘画中的人物画得到了突出的发展，对其他对象的描绘则还处在很不成熟的阶段
在中国绘画发展史上，隋唐是魏晋南北朝之后的又一重要时期。隋朝书画，继往开来，酝酿着新风格的出现。初唐的书画则承袭了隋朝的风尚，崇尚法度，但已呈现出不同的面貌。这一转变到盛唐时就已经完成了。各科画家先后涌现，风格趋向于健美飞动。以吴道子为代表的人物画（包括宗教画）与山水画，展现了唐代绘画的卓越成就。中晚唐的绘画又发生了新的变异，它的影响直到五代时仍能体现出来。 魏晋南北朝时期在艺术方面的变化更多的是体现在书法艺术方面，楷书真正出现了。绘画艺术的变化虽然不象书法那么显著，但是社会风气的变化，崇佛思想的上扬，都让本来简略明晰的绘画进一步变得繁复起来。曹不兴创立了佛画，他的弟子卫协在他的基础上又有所发展。作为绘画走向成熟的标志之一，南方出现了顾恺之、戴逵、陆探微、张僧繇等著名的画家，北方也出现了杨子华、曹仲达、田僧亮诸多大家，画家这一身份逐渐地进入了历史书籍的撰写之中，开始在社会生活中扮演愈来愈重要的角色。
在这一时期中，发展得最为突出的是人物画（包括佛教人物画）和走兽画，而中国绘画中的其他各科还远未成熟，东晋顾恺之的传世作品《洛神赋图》中出现的山水只是作为人物故事画的衬景，山水画的逐步独立直到南北朝后期才趋于完成。之所以会这样，也是由于这一时期绘画的主要任务决定的--为政教服务，"是知存乎鉴戒者图画也"。这也是那时绘画的一个主要特点。
中国古代绘画史的成熟和发展阶段大概出现在哪一个朝代？
中国绘画萌芽于原始社会时期，逐步形成于春秋战国时代，秦汉、魏晋南北朝时期飞速发展，隋唐时期达到了极盛，以后的宋元明清时期，中国的绘画进一步成熟发展。
1、原始社会时期
岩画是最古老的民间艺术，中国岩画的记载最早见于五世纪北魏时的《水经注》，中国的岩画大多存在于少数民族地区。汉族先民的绘画足迹要到当时使用的石器、骨器等工具及装饰品的刻画中去寻找，而其灿烂地显现是在彩陶纹饰中。
2、奴隶社会——人物肖像画出现
进入奴隶社会后，绘画的范围日益扩大，西周时期甚至出现了专门掌管绘画的官吏，同时，人物肖像画出现。不过，夏商周的装饰艺术主要表现于青铜纹饰。
3、春秋战国时期
春秋战国的艺术冲破浓厚神秘的气氛而走向现实生活的新境界，到战国厉期，这种表现现实生活，注重写生的风格已胸然成风。战国时期壁画大盛，还出现了帛画、漆画，同时画院萌芽。
4、秦汉时期
秦汉时期，绘画也达到了一定的高度。它具备了两个特点，它是一个浪漫主义与理性精神并存；神话、历史、现实同在；南北风俗混合一体。汉代绘画的另一个特点是具有气势美。在汉代画幅中，一个个具体形象都没有细节，没有修饰，没有个性表达，也没有主观抒情。相反，突出的是高度夸张的形体姿态，是手舞足蹈的大动作，是异常单纯简洁的整体形象。在这粗略轮廓的整体形象的飞扬流动中，表现力量、运动、速度以及由此而形成的“气势”美。这确实是繁荣强盛的汉帝国的写照。
5、魏晋南北朝时期——绘画的大发展时期
魏晋南北朝形成新的美学思潮造就了五彩缤纷的绘画高潮。这时期的绘画处于独往开来的地位，它有两个新的特征：一是佛教艺术的影响；二是知识分子专业画家登上了画坛。
6、隋唐时期——绘画的极盛时期
隋统一中国，结束了魏晋以来近四百年的大动荡、大分裂的局面。经过唐帝国的励精图治，中国走向一统和繁荣，绘画在唐代达到了极盛时期。唐代的绘画成就空前，影响深远，人物画达到了顶峰时期，隋唐的壁画也超越了前代，山水画走向成熟，花鸟画兴起，绘画理论也有重大发展。
7、两宋、五代十国时期
这一时期绘画也达到了极高的水平，具有以诗入画，追求细节的忠实描写两大特点。花鸟画成熟并达到了高峰时期，水墨花鸟异军突起，绘画理论有巨大发展。五代开始正式设立画院。两宋时期绘画职业化倾向表现得十分突出。
8、元明清时期
在历代绘画的发展演变过程中，元代是一个风尚骤转的时期。原集中了很多画家的御用创作机构——画院，已不复存在，归隐的文人画家成了艺术创作的主要力量。因此，绘画的商品性也有所减弱，专业画家的创作便明显萧条下来。
明代画坛，流派林立，纷繁杂沓，但是土大夫绘画的思想内容和画境、画意，似乎总是在一种相对稳定的状态中发展，他们在自己的作品中，明显地反映出“万事不关心”的冷漠态度，对现实生活没有热情。总的来看，明代的卷轴绘画，无论是宫廷还是民间，“行家”或是“逸家”，在表现内容上大都远离社会和时代，描写现实生活的人物画和社会风俗画更加衰微。但是，反映生活的现实主义的文学插图版画却在明代中叶兴起，并随着民间文学的空前繁荣而蓬勃发展，并为清代版画的发展铺平了道路。
清代绘画作品中融入金石的气质，追求深沉、换漫、浑朴、自然的拙越，而力避繁妍，形成了晚清水墨写意画的新格局。
在清代，民间绘画中极为兴盛的是年画。
中国古代山水画的发展线索！
以描写山川自然景色为主体的绘画称山水画。在魏、晋、南北朝就已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多；隋唐开始独立，如展子虔的设色山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水等。五代、北宋山水画大兴，如荆浩、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹的青绿山水，南北竞辉达到高峰，从此成为中国画领域的一大画科。元代山水画趋向写意，以虚代实，侧重笔墨神韵，开创新风。明代及近代续有发展，董其昌及清初“四王”为山水画走向绘画理论及绘画手法的程式化完备作出了重大贡献。其后在20世纪，中国传统山水画在西方绘画的冲击下，发生了新的变革，代表画家如李可染等。
山水画的形成和确立，是魏晋风度的渗透，崇尚自然的必然，文人个体意识的觉醒，人们对自然山水的审美感知。崇尚自然是魏晋风度的重要体现，自晋代顾恺之创作了《庐山 图》后，山水画得以形成和确立，山水画并成为“山水文化”的重要的独特的表现形式。
结合古代画论综述中国山水画发展演变的线索特征
中国水墨山水画是萌芽于多彩多姿的唐代而成书于褪尽外来影响的宋代，特别是南宋时代。中国绘画传统形式和激发的本身存在着相当严重的矛盾，基本上是由线组成的中国绘画，色彩是受到一定的约束的，唐代张彦远在我国第一部绘画史专注《历代名画记》（《论画六法》）中提到“具其彩色，则失其笔法。”又在《论画工用搨写》中说“运墨而五色具”。因为色彩的发展变成为对线的压迫，所以唐代吴道子在众多青绿重色的传统氛围中，提出了一套办法向色彩作出猛烈的斗争，张彦远在《历代名画记》卷二《论顾陆张吴用笔》中称誉他是“古今独步，前不见顾、陆，后无来者”的“画圣”。这一场斗争，肯定了吴道子的生理，同时也肯定了线和墨的胜利。
明代王世贞曾说过：“山水：大小李，一变也；荆、关、董、巨，又一变也；李成、范宽，又一变也；刘、李、马、夏，又一变也；大痴、黄鹤，又一变也。”（《艺苑巵言 》）这段话是相当符合中国山水画发展的真是情况。 总结于傅抱石《中国绘画变迁史纲》江苏文艺出版社（没打完，内容太多了，自己去看吧。）
他不是张择端，但是他的清明上河图更让人疯狂
他的画作，没能留下多少真迹，多的是后人摹本；他的生辰，至今没人确切知晓，却名流天下至今。他，与沈周、文征明、唐寅齐名并称明四家，是明朝文艺界响当当的F4之一，他的名字，叫做仇英。
仇英出身平凡，是中国美术史上少有的以平民身份而成为一代绘画大家的不朽传奇。早年为了谋生还当过漆工，兼职彩绘栋宇。我想如果他后来没有专门去画画的话，说不定会成为一个建筑师。
不过也许是当时当建筑师没什么前途，也许是仇英太热爱绘画了，他没能当太久的漆工，因为自身的天赋够高，他的画很快得到了业界大佬唐寅和文征明的认可，因此年纪轻轻就做到了梵高一辈子也没能实现的事——靠卖画为生。
当然，身为一个心怀艺术梦想的人，绝不可能因为卖出去几幅画就洋洋自得不求上进的。
当时的名家周臣见他如此有天赋又很努力，亲自教他画画，此间仇英临摹了大量古人的画作，不仅在画技上了有了大幅的进步，在对古典主义绘画的理解上也有了更深的认知。
看到了没，想得到贵人赏识，首先你得有天赋，还要有超出常人的勤奋。让我们跟着仇英的脚步来一起欣赏他眼中的明朝吧~
美女永远都是文人画匠最为钟爱的题材之一，仇英也不例外。第一站仇英就来到了宫中，看着宫女、妃嫔们时而弹琴时而赏花时而做女工的场景，忍不住画兴大发，洋洋洒洒挥笔就是一幅《汉宫春晓图》。
仇英的这幅《汉宫春晓图》是中国十大传世名画之一，也是中国重彩仕女第一长卷， 作为一幅装饰性的画作实在是太大了，但是也幸亏画的够大，我们才得以更加直观清晰的观察这幅画的艺术价值。
此画题材是中国人物画的传统题材，宫中嫔妃的生活日常，看起来好像和其他人画的仕女图没什么大分别，其实不然。
仔细看看，图上人物的发型和服装是汉代式样，而宫室与家具形制却是明代的。此为一奇。是仇英不小心画错了吗？当然不是。前文我们提到仇英拜师后临摹了许多前人大作，画法也更偏向古典主义，看来仇英对于人物画的审美更倾向于汉式。
本画中除女子群像外，琴棋书画等文人休闲活动也都一一融入画作中，背景和人物情态都不单调，栩栩如生的画面清晰的为我们展示了宫中女子们的生活场景。
仇英这么喜爱美女，当然不会只画了《汉宫春晓图》这一幅仕女画， 实际上面这幅《百美图》才是他的仕女画经典。是的，这幅百美图正是仇英的工笔重彩人物仕女画的代表作。
画面上的仕女形象精确生动，工细雅秀，人物线条流畅，设色清丽明艳，布局背景、亭台，竹石、器具、舟车等等，精巧周密，错落有致，布局安排合理，绝非一般画家能创作的出来的。
如果你非要问，为什么百美图不是十大名画之一，萃花也只能说，可能是因为百美图里的仕女不如宫中嫔妃地位高吧。
俗话说，只会画仕女画的画家不是好画家，醉心古典主义的仇英画完了百位美人后多少有些审美疲劳，于是他便来到了深山老林里准备感受大自然，结果意外发现世外桃源。 ↓
历代受文人画匠青睐的青绿山水画发展到了元代时，或许因为审美疲劳，青绿山水画渐显衰落之势，仇英表示不服，明明青绿山水那么美！他偏要画出几幅超棒的画来证明，青绿山水永远都是他们的精神家园。
东晋著名诗人陶渊明在《桃花源记》中描述了一个不讲信用的捕鱼人误入桃花源后来再也没人找得到的故事，自此以后桃花源式的隐居圣地逐渐成为文人墨客偏爱的题材，仇英的这幅《桃源仙境图》亦是取材于此。
此画采用了竖幅高远章法，层层叠进，近景为深壑、小桥、流水，桥上有童子捧瓯而过。板桥过处，青草铺地，另一童子携食盒亢于岸头。隔小溪为山洞，内有钟乳石悬壁，有泉淌漾而出，洞口水边有一位仙者弹琴，两位仙者于旁静听，传神入微。
画面恬静安详，让人忍不住心驰神往，恨不得亲自到画中仙境中去仔细感受那绵绵春风和十里桃花。
仇英的另一幅作品《桃村草堂图》可以说是桃源同款了，草堂秘密隐于山林，画上童子过桥，松下一人散步，身后桃林幽深，缓缓小溪流下，上一层画面则是山峰白云相间，丛林密布，仿若仙境。青绿着色让人沉迷，古代文人隐居山林崇尚自然的风骨就此体现，山水画的灵气让古往今来的人们为之着迷。
那么青绿山水画有多招文人画匠喜爱呢？戳链接回顾： 极简艺术史：5分钟看完历代青绿山水画
欣赏完了世外桃源的美景，仇英觉得在山里待的太久了，应该去城市里感受一下喧闹的市集了。
在市集上逛了一圈后，看着街上四处发生的事情，感受着久违的热闹，仇英不由得回想起张择端前辈笔下的《清明上河图》↓
仇英觉得苏州的风土人情丝毫不输汴京，当下的市集也是热闹非凡，周遭的故事亦是有趣，自己干嘛不也画上一幅？
于是， 仇英参照“宋本”的构图结构，以明代苏州城为背景，采用青绿重设色方式，重新创作了一幅全新画卷， 风格与宋本迥异。
下面萃花就跟大家简单讲讲他们哪里不一样。
长度
北宋张 择端的《清明上河图》长5.29米，这个长度已经非常惊人，而仇英的《清明上河图》有9.87米，几乎是张择端版本的一倍。
人物
张择端以北宋汴京的风俗为题材，画上一共出现了814人，这才全中国画坛乃至世界画坛都是闻所未闻的，仇英本《清明上河图》长度是张的一倍，人物数量更是张的一倍还多，大约2000人。
色彩
从上面两幅图上我们可以明显感觉到两个版本的《清明上河图》色彩是不同的。张择端采用淡墨，设色简淡；而仇英则用重彩工笔的形式，风格瑰丽。
细节
两者构图上很相似，但是要说细节也一样是不可能的。煮个栗子。
张择端画中最具特色的便是汴梁城汴河上有名的拱桥。↑
此桥为木结构，是利用木材的相互穿插形成拱来承担来自桥面的重量的。只有形成高拱，才能把当时由南方通过漕运而来的货物顺利到达京城。
而仇英的画中↑，可以明显看出河上的桥是由条石砌成。用条石砌出如此高的拱，且桥面略显单薄。
仇英的《清明上河图》虽然在艺术性和史料价值上难以与张择端的《清明上河图》相提并论,却也构筑了一幅颇有声势和气魄的风俗画。
“仇本”也是后世争相仿作的鼻祖，据记载，当时各种以此为蓝本的仿作层出不穷，一时间竟成为达官豪门相互馈赠的高档礼物。
就连现在网络上许多流传的张择端《清明上河图》，其实都是仇英本，由此可见仇英作品非常了得。
需要仇英作品高清大图的请留言给萃花小姐姐（微信号：yicuiservice）~
明仇英桃源仙境图的作品背景
东晋隐士陶渊明所作《桃花源记》，描绘了人们理想中的隐居胜地，成为后世画家热衷描绘的题材，仇英的《桃源仙境图》也应是取材于此，描绘文人理想中的隐居之乐。此图为重彩大青绿山水，深受南宋赵伯驹兄弟工致一路画风的影响，又兼取刘松年精巧明丽的用笔、用色。全画以竖幅高远章法，分三层叠进，近景为深壑、小桥、流水，桥上有童子捧瓯而过。板桥过处，青草铺地，另一童子携食盒亢于岸头。隔小溪为山洞，内有钟乳石悬壁，有泉淌漾而出，洞口水边有一位仙者弹琴，两位仙者于旁静听，传神入微。仙者傍依的山根岩石间，有山桃杂卉伴卧松而开放，古松自右岸斜坡横卧于洞顶，松皮龙壳，青藤盘绕，与左岸山岩之山桃相呼应，境界超逸，非神仙之属，又怎能到这里生存!这是作品的主题部分。洞顶清霭虚掩处，有小路自云中显现，绕过山梁及松林，琼阁高筑与松柏相辉映，山涧有清泉，挟乱石而流泻，涧边杂卉仙草益发，石上小亭别具，山间浮云缭绕，斜晖之中，几组远山，一派云海，更使画面境界无尽。
