油画人体艺术，裸一点又怎样！
油画人体艺术，对于男人女人有种与生俱来的魔力，承载着他们无数的争议。
从诞生的时候人体艺术油画在大部分人眼中就打上“低俗色情”的标签，其实它不过是人物油画的一个分支，它描绘的人体大部分都是裸体，但可以肯定的是这类描绘是为了追求自然和真实。
正如罗丹所说：“人体，尤其是心灵的镜子，最大的美就在于此，我们在人体中崇仰的不仅是如此美丽的外表，还有那使人体透明发亮的内在光芒。”
所以，油画人体艺术，裸一点又怎样？只要这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。那么，这种充满人文精神的美的创造，符合人们心中理想“美”的典范。
再后来，放下异样眼光的人们，开始接受油画人体艺术，只是这样一种让人觉得公开欣赏会脸红、公开讨论会尴尬的艺术作品收藏的人多一些又个性一些。因为艺术投资中有很多作品都是一边饱受着争议一边升值的。
他，一个执着于艺术追求，画了半辈子的画，作品多次获奖并被国内外艺术机构和私人藏家收藏。
他就是谌鸿胤，因为“李宇春人体”，当地很多人知道了他的油画，如今一些年轻漂亮的女性纷纷跑来找画家定制肖像、结婚照，她们说，画一个油画像，放在家里有收藏价值，还可以留住青春。
像这样引起油画热潮的事并不少见，如大导演冯小刚收藏《女人与猫》三年净赚400万，是油画人体艺术。
刘益谦在美国纽约以1.704亿美元拍下意大利国宝级画家阿梅代奥·莫迪利亚尼的名画《斜躺的裸女》，创下该画家作品最高拍卖价纪录以及艺术品拍卖史上第二高价的纪录，是油画人体艺术。
画家常玉的《五裸女》以1.2832亿港元拍出，刷新了华人油画最高成交纪录，也是油画人体艺术。
毕加索大半个世纪之前创作的一幅油画《阿尔及尔的女人》，在纽约拍卖会上，以近1.8亿美元（约11亿人民币）成交，创下艺术品最高拍卖价的世界纪录，还是油画人体艺术。
在油画人体艺术拍卖史上曾经出现过多幅天价作品，不管是出于有钱任性的虚荣心作祟，还是真正懂得欣赏，这都足以说明它在收藏市场上炙手可热。
可画出许多优秀人体艺术作品的谌鸿胤的人生一点都不炙手可热，他潜心研究油画艺术，一心要守护住心灵中那一片纯净之地。
因家学渊源，他3岁习画，随父练习书法，临芥子园画谱。
再后来，谌鸿胤辗转各地求学，天赋加勤奋使得他的绘画技能和素养突飞猛进，扎实的素描功底改变了他的绘画取向，开始专攻油画。
年轻充满梦想的他开始参加省市各种美术活动，跟随老师做画展布展等文化工作，在他们的指点和帮助下，对绘画艺术有了更深的理解。
直到28岁的时候，他在艺术造诣上已是炉火纯青，期间作品全部被国内外艺术机构和私人藏家收藏。
他常说：“总是迷恋着辉煌，而感动我的一直是平凡。”年轻的时候他梦想靠画技实现梦想和荣华，如今风景都看透，他再次升华梦想做个艺术探索者，不辜负最初的坚持，就像小时候听父亲的话“要好好画画”。
没有优渥的家境，没有可以利用的资源人脉，谌鸿胤从名不见经传的职业画家到如今油画资产包上市的逆袭，看起来如传奇一般，但是传奇背后，是他从三岁开始，直到20岁的奋斗和坚持，以及直到40多岁的不忘初心，认真用心画画贯穿了他的一生。
经历过平凡，才能享受辉煌。生活从来不会刻意亏欠谁，它给了你一块阴影，必会在不远的地方撒下阳光。
这世上没有一蹴而就的成功，若是你还觉得梦想和成功遥不可及，只能说明你的坚持和努力还不够。
（注：这是去年在一家公司上班，为一位画家的写的一篇文章，曾发布在他们微信公众号）
人体油画是真正对艺术的诠释，还是打了色情的擦边球？
任何事物的兴起、发展都有一个轨迹，而且这个轨迹一般都有起伏。即在不同的时间和环境里，其表现形式会有平缓、上扬和下滑，而非一条直线。人体油画也是如此。人体油画起源时，偏重于艺术和自然；但发展到一定阶段后，人体油画进入市场后，不排除某些画家的作品打了色情的擦边球。一、从人体油画兴起的时代背景上看，是圣洁的裸体艺术是希腊文明的重要组成部分，是希腊文明对人类文明的重大贡献之一。奥林匹克运动会起源于希腊。每年春天举办运动会的时候，男运动员赤身裸体上阵，用人性的光辉来回应神性的召唤，照亮人世间天空，驱散战争的阴霾。早期的运动会都是男性参加，后来，女性也赤身裸体地加入进来。由此，给艺术家带来了创作的灵感。以表现男性力量为主的雕塑先行一步，如《掷铁饼者》。初期的希腊雕塑家以米龙、菲提亚斯最为有名。我们知道，雕塑作品在表现男性力量比较有优势，而要表现女性的曲线美、柔性美，油画则更擅长。所以，女性人体油画便悄然兴起，早起的女性人体油画比较有名的是维纳斯系列。从人体油画的起源来看，人体油画期初是圣洁的、唯美的，与色情无关。二、从人体油画的涵义上看，也与色情不沾边人体油画的涵义是：追求人体的自然和真实，自然和真实是人体油画的魂。早期的人体油画对艺术不是很注重，油画家希望通过细腻的笔端和油画丰富的色彩，表现出人体浑然天成的效果。表现人体隐私部位时，避免渲染出勾引和诱惑的意图。而色情图片在勾引和诱惑上是大肆渲染的。人体油画为了避免这一点，一般都作了精心处理。如用丝带遮挡人体隐私部位，用静物合理巧妙地遮掩。即使正面绘画人体隐私部位，也是用充满阳光的心态去描绘。三、进入商业社会后，油画家为了迎合市场，人体油画打擦边球的现象不可避免人体油画刚兴起时，人类还处在奴隶社会，那时，人们商品意识还很薄弱。那时的人体油画作品是不含功利的。但随着资本主义社会的到来，人们商品观念日渐浓烈，油画家为了生存，为了利益，不可避免地会有迎合市场的油画作品诞生。再加上西方贵族对裸体油画的追捧，以及收藏家热衷于收藏裸体程度高的人体油画。这些因素导致人体油画在第一程度上掺杂了色情的成分。人体油画是人们对自身人体美的礼赞，是圣洁的。但自从引入市场后，某些油画家经不起市场的诱惑，在创作人体油画时，难免会打色情的擦边球。这就需要美术行业协会去监督，去引导，也需要欣赏者去甄别。
画油画人体常用的颜色。
我比较喜欢用油画小刷子画画 ，有大有小的那种，正好握在手里，个人感觉比较容易把握，用起来颜色可厚可薄！我比较不喜欢用油画笔画静物和人体，感觉比较难深入刻画细部，这都是我学油画之初养成的习惯，关键也看你自己了！喜欢用刮刀画风景和小静物，不追求细节，追求的是那种干脆的味道！油画笔用猪毛的不要用软的，软的在画布上拖不动笔，画出来的东西黏糊不干脆。画古典的我喜欢先画脸部暗部一大块颜色，要透明一点薄一点，然后再画亮部颜色，最后拿一干净小刷子把两块颜色揉在一起做个过渡，然后再深入刻画！以上都是我学画几年积累的经验，希望对你有用！
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人体摄影是摄影艺术皇冠上一颗具有神秘气息和浪漫色彩的明珠,人类对自身美的欣赏产生了人体艺术。下面是我带来的欧美艺术人体摄影作品,希望大家喜欢! 欧美艺术人体摄影作品 欧美艺术人体摄影图片1 欧美艺术人体摄影图片2 欧美艺术人体摄影图片3 欧美艺术人体摄影图片4 欧美艺术人体摄影图片5
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人体摄影仅凭热情是远远不够的。一幅优秀人体摄影作品的诞生,不但需要有成熟的艺术构思、精湛的摄影技巧,完美的形体姿态、而且还需要有灵动的导演能力。下面是我带来的欧美人体摄影作品,希望大家喜欢! 欧美人体摄影作品 欧美人体摄影作品1 欧美人体摄影作品2 欧美人体摄影作品3 欧美人体摄影作品4 欧美人体摄影作品5
画裸体女人的著名油画
裸女》是法国阿尔贝·马尔凯于1898年创作的野兽派风格的画布油彩肖像画,现收藏于法国波尔多美术馆。 阿尔贝·马尔凯 油彩肖像画 法国波尔多美术馆 纵73厘米,横50厘米 阿尔贝·马尔凯即是一位野兽派画家,也是一位现实主义画家【摘要】
画裸体女人的著名油画【提问】
裸女》是法国阿尔贝·马尔凯于1898年创作的野兽派风格的画布油彩肖像画,现收藏于法国波尔多美术馆。 阿尔贝·马尔凯 油彩肖像画 法国波尔多美术馆 纵73厘米,横50厘米 阿尔贝·马尔凯即是一位野兽派画家,也是一位现实主义画家【回答】
安格尔《大宫女》 同样风格的,安格尔还画了一幅“大宫女”,一经问世就引起轰动。 反对的人说他人体结构都没画对,脊柱至少多出来三节,脚部也有些奇怪。粉丝们则认为正是因为这样刻意拉长宫女的手臂和躯干,才令这幅画有格外的吸引力和韵味【回答】
亚当与夏娃》 阿尔布雷希特·丢勒 西班牙 普拉多博物馆藏 这幅作品在表现风格上,明显受意大利画风影响。每个人体都占满画面空间,成为可以独立的人体作品。夏娃动作优美,富于舞蹈性,左手去摘树上被禁的“罪恶之果”,右手扶在树枝上,双脚一【回答】
如何欣赏油画作品?
怎样欣赏风景油画，理解其中的意境
有一下几个步骤
1：了解作者，国籍，生平，年代，流派（很有用的，如果做研究的花）
2：了解这画幅画的原因，没有原因则了解这幅画画了什么。
3：了解是怎么画的，技法，材料，大小，风格。
4：了解历史上的批评家对它的评价，对作者的评价。
5：（最重要的一点）你对它的最直观的评价，不要因为它是大师的作品而犹豫，当今世界任何人都是艺术家。
本人是“观念艺术”的支持者，如有不对之处请多包涵
上大美院一生
如何欣赏油画
关于油画欣赏，对于非艺术学专业的人来说，是一个非常陌生的话题。现在画展比比皆是，几乎每个人都有机会去看那么几次展览，虽然作品的层次参差不齐，但是能够真正领略到个中品味的人我相信寥寥无几。其实不仅仅是油画，就是国画对于大部分国人来说真正的去鉴赏也是非常困难的，当然有着良好的文化传承的所谓世家子弟除外。作为一个相对专业的油画工作者，我就用最通俗的语言给大家聊聊油画的欣赏。 欣赏展览要考虑到展出作品的创作时代。如果是较为早期的西方作品，因为年代的久远，其色彩难免会有一定程度的蜕变，往往其原来的绚丽色彩会发灰，这样，在欣赏过程中主要是看画面的气氛，是宁静、舒畅、旷达、苍茫；还是犹豫、热情、焦躁或者澎湃的 *** 。另外还可以从画面的布局、笔触上来领略，例如构图的饱满与画面稀疏的构成，笔触的雄浑与轻灵等，这不需要很长的时间来专门研究，不同风格的几位画家的作品放在一起，一看就知道了。 现代的艺术家展览。现在的很多艺术家急功近利，导致很多的展览简直都惨不忍睹。但其中也不乏有优秀的作品。如何去分辨作品的优劣的呢？ 首先、画面的色彩。一般来讲在欣赏风景油画时，色彩的地位尤为重要，一幅好的风景画，它的整体色调一定时和谐的，或典雅、或幽静、或淡定、或浑厚、或庄严、或压抑、或 *** ……，它的色彩一定是成熟的，成熟的颜色并不是说画面是灰色的，而是说画面的色彩不会出现一点的不和谐，最通俗的说就是画面中绝大多说的颜色是经过调和的。当然这也不是绝对的，很多表现风格的绘画作品往往大胆使用纯色，但是这种风格的作品你只要站在画面前，静静地看上几分钟，一般就会体会到华中所蕴藏的内涵，如果你体会不到，那就转身走开——即使别人说这幅画再好，你可以说：“我不喜欢。” 其次、画面的构图。中国画讲究“疏可跑马、密不透风”，油画也是一样，如果一幅画很精到，但处处都是东西，密密匝匝，或者是什么都没有，一马平川，那么这样的作品不懂也不是坏事。当然，构图并不是这么简单的，有很多讲究，三角、多边、黄金分割、对称均衡什么的，你不是一个职业画家，这一切都不用管，这要你觉得这幅画不疏不密、不偏不倚，画中事物的位置摆的或者长得是地方，让你看起来就觉得舒服，那你不妨再深一步的去了解这幅作品。 再次、画面的内容。不管艺术家选的是什么东西作为主体，都必须在画面上表现出来。好的艺术作品无论是表现的美丽的还是丑陋的事物，首先他必须有表现的欲望，才能赋予画面中物体的生命力。在油画的欣赏过程中，如果这幅画面中的物体（包括人物）能够让你产生共鸣，让你能够有所感动（这感动是好是坏不论），那么你可以慢慢的观察，你会在画面中发现很多有趣的东西，甚至会让你迷恋。但如果你看到这画面的事物无动于衷，那么你完全可以远离这幅作品。
油画、国画如何鉴赏？
不论哪种画，只要是表现在平面上的艺术品，包括摄影，一般来说，快速入门的检验方法可从美术的原理出发，下面谈一下个人经验。
对于国画和油画，第一，看构图。整幅画面的构图是否突出主体、背景是否干净、主 *** 置是否恰当，构图是否平稳，还有造型是否准确。
第二，看明暗关系。也就是黑白灰，或者说光线的关系。整幅作品的黑白灰关系是否明确，是否能够形成整体感，还是看起来很散，黑白灰不明显，会造成画面灰暗，或者找不到光源，没有立体感。
第三，看色彩关系。所谓色彩关系，无非就是色彩是否有冷暖对比，是否在画面上表现出了环境色、固有色和自然色，简单的理解，可以理解成色彩的丰富程度。当然，色彩不可过，太过丰富，没了章法，就显得乱了。
其次，看一张画的透视关系，近实远虚、近大远小，是否做到了。
对于国画，还要着重看线条和水墨，线条是否暗含劲道、如行云般流畅，水墨是否恰到好处，晕染得当，国画讲究对水分的把握，水墨中水分过多，则晕染过量，水分不足，则晕不开。
上述的掌握了，接下来便是看画的更深层次的东西了，包括画面质感的体现，不管是油画还是国画，看笔触，是否能很好的体现各种质感，比如皮肤、山石、水果、瀑布等，还有人物表情、姿态、动物奔跑、翱翔的神韵是否栩栩如生。
总之，要想品鉴一幅作品，那么你可以不会画，但你的眼界一定要高，你一定要看过大量的作品，包括世界名作、包括拙劣的作品，好的坏的你看的多了，自然就能分辨了。
我刚才讲的东西是形成理论的，你不可生搬硬套，那样太过于教条。希望你能充分理解，或许等你成为品鉴名家的时候，只要一眼，凭感觉就能判断一张画了，呵呵。
如何欣赏油画
近年，油画渐渐进入寻常百姓家。人们在装饰居所墙面时，常常会选用一些水彩画，中国画和油画。尤其是油画，更受人们青睐。
在我国，绘画市场大体分为三类：中国画，西洋画与民间绘画。
中国画讲求气韵，意趣，笔墨，西洋画则不然。
西洋画包括油画，木版，铜版，素描，水彩，水粉等画种。其中油画是表现力，实用性与装饰性最强的画种。
西洋油画被引进我国仅有三百多年，而广泛进入到人们的社会生活中，不过是上个世纪初叶的事。改革开放后，各种风格，流派的油画创作都有了一席之地。
油画创作就其题材划分，可分为主题画，风俗画，风景画，人物肖像画与静物画等。但不论何种题材，作品主要是依靠造型与色彩两大要素。也就是说，油画使用的是形，光，色这三大表现手段。
形，也就是形体。这就要求画家首先要具有造型能力，要有深厚的素描功底。没有很好的素描基础，要想画好油画，如同没有地基的高楼，是立不起来的。
光，也就是光效的表现。法国印象派兴起之后，引发了人们对光的研究与表现。画家对光的理解趋于了科学与理性。因而对光影的表现也就更加逼真生动。光与光影是烘托气氛的重要元素。这个道理只要看看戏剧舞台的灯光效果就不难理解了。贰 油画最重要的元素是色彩。色彩不同于调色板上的颜色。画家从来不会把调色板上的颜色，也就是工厂制造出来的颜料，原封不动地搬上画布的。这些颜色必须经画家精心地加以艺术化的调制，以求得色彩的柔和，逼真，色块与色块之间搭配的和谐统一。这就是人们通常所说的调子或色调。一幅油画的颜色不能是五颜六色的胡乱拼凑，也不能是纷繁庞杂，令人眼花缭乱的，而应该形成能体现出某种色彩倾向的，并且变化无端，微妙细腻的画面效果。
色调是油画的灵魂。没有调子，也就是说一幅油画如果没有形成一种基调，没有和谐统一且又富于变化的色块组合，那末，这幅油画可以说没有达到及格线。除以上要求外，油画还讲究构图，笔触，节奏等等，这里就不细说了。
如何欣赏一幅油画作品
鉴赏和写作是两件不同的事情。鉴赏可以不输出成型的观点，可以停留在感受的阶段，但写作则需要成型的论点，而且要有独到之处才有写的意义，如果只是千篇一律的抒情和别人观点的重复，就不具有写的价值。
艺术鉴赏有多种层次，基本可以分为感性层次，理性层次。前者是先于后者的，但通持续性长于后者。感性层次的鉴赏通常与情感和感官关系更密切，通常指一幅作品给观众带来的情感心理感受，比如愉快，悲伤，温柔，刚强，活拨等等。理性层面则相对复杂，需要切合观众的历史文化知识体系，结合自己的知识背景去理解作品的深层含义，比如思想性、社会性、政治性、哲学性等等。如果要做到到位的鉴赏，需要具备系统的背景知识和理论知识，不能瞎看。具体到一幅油画作品，需要知道作者，国别，时代背景，风格流派，师承关系，作品内容所涉及到的人物、事件、以及作品中图像志相关的象征意味，隐喻，还有关于作品创作本身的知识，比如技法材料甚至作品的收藏修复史，另外如果要做到高水平的赏鉴，还需要尽可能多地了解前人对该作品和画家的评价，这样有助于准确定位和发现自己的理论创新。是有很多文章可做的。
论文写作则要看文章规格和字数要求。
如果是严肃地写评论，首先必须要做文献综述的工作，即尽量广泛地蒐集既有的关于该作品及画家的评论著作和论文，阅读后进行论点归纳，并综述前人的论点。在文献综述之后即可以展开自己的评论。综述部分要做到尽量全面但不冗长繁复。自己论述部分要做到有理有据，行文要有条理，合逻辑，尽量避免滥情，做到评论作品而不是吹捧作品。
基本步骤就是如此，并不复杂，但需要你自己对自己的学识先做一次清晰的梳理。
毕加索油画如何欣赏？
毕加索出生在西班牙，自小由其身为美术老师的父亲教授画画。可是，到了十几岁，他父亲就发现没什么可以教这位天才少年了。然后到了巴塞罗那，然后去了巴黎。回来一直留在巴黎。尤其是西班牙被右派佛朗哥 *** 控制以后。毕加索自认为是左派。毕加索确实是为少年天才画家。这也可能是他人生最大的遗憾，因为他从来没在儿童的时期画过儿童画。毕加索的古典画派的画工毋庸置疑，十几岁的他已经就表现出天才成熟的技法。这也为他后来奇怪的画法奠定了基础，而且没有人会看到毕加索中期、后期某些看不懂的画质疑他的画功。画这幅画的时候，毕加索还没有“走花入魔”。画面里是几个 *** 。在毕加索17、8岁的时候，他去了一趟“红灯区”，匆匆、惶恐地走过，并没有看清、也没太敢多看那些 *** ，只是一些零星的片段。7年之后，鸡回忆起当时的情景，一切都已模糊，片段也已拼凑不起来。他凭著记忆，把当时零星的片段尽量拼凑起来，就成了眼前的这副模样。这种画法区别于传统画法。传统油画，是一个人或者一些人老老实实地呆在那里，让画家一点点的画，而本作品，是毕加索凭记忆图画7年前的一些零星的场景。这也成为他后期化作的基础。这幅画已经相当走火入魔了。但是，特点很明确，所以选择这一副。他的画法的特点，就是，把眼前的具体事物似乎像用一个刀子一块块割裂开，然后在以某种他自身的逻辑拼凑起来。所以，毕加索一直否认他画的是抽象画。因为他的画虽然确实很多人看不出他画的是什么，但他确实画的是具体的事物，而不是抽象的概念。打个比喻，就好像现在的拼图游戏一样。古典画家，是把拼图正确地拼凑在一起。而毕加索，是以他自己的某种逻辑，甚至是移动的视线（古典画派是模特和画家固定，视线也固定），不同的角度的把事物拼凑起来。有的时候，拼凑的确实太凌乱，一般人看不懂。这是他得第一 *** 子，俄罗斯舞蹈演员。
如何欣赏一幅油画，与欣赏相片的区别是什么
从技法来说，欣赏油画主要看它的构图，色彩搭配，细节描绘等等。
从精神层面来说，需要感受画面中作者的思想感情，作画风格等。
当然，这些与摄影作品都是有共同之处的，相片有的，油画都可以做到，但是，绘画与摄影照片最大的区别是，两个字：笔触。即使是超写实主义画法，画面中也存在万千笔触，从笔触就可以看出一位画家功力如何，这也是油画的魅力所在。
油画作品如何落款
在画作右下角或左下角落款，一般注明油画的名称，作者，时间。
油画简介：油画（an oil painting；a painting in oils）是以用快干性的植物油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。油画是西洋画的主要画种之一。
什么是抽象派的油画,怎么欣赏?
泛指二十世纪想脱离「模仿自然」的绘画风格而言，包含多种流派，并非某一个派别的名称。
抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上。
抽象绘画的发展趋势，大致可分为：﹝一﹞几何抽象﹝或称冷的抽象﹞。这是以塞尚的理论为出发点，经立体主义、构成主义、新造形主义....，而发展出来。其特色为带有几何学的倾向。这个画派可以蒙德里安(Mondrian)为代表。﹝二﹞抒情抽象﹝或称热的抽象﹞。这是以高更的艺术理念为出发点，经野兽派、表现主义发展出来，带有浪漫的倾向。这个画派可以康丁斯基﹝Kandinsky﹞为代表。
如何欣赏油画作品
欣赏油画作品的方法如下：1、构图构图是作品形式美的一个重要因素，在满足人审美需求的同时，也传递着某种思想，欣赏者可以从不同的构图中得到或平静或稳定或倾斜或压抑之感。达·芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。在构图上，达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。2、内容这也是欣赏者和画家最直接交流的一条途径。按照画面刻画的是什么、刻画得逼真否、画中形象要传达什么寓意等步骤，很容易就能体会到画家的喜怒哀乐。3、色彩由于油画色彩极具丰富性和力度感，被业界称为是“绘画中的交响乐”。所以，好油画对色彩的运用就像好音乐一样能引起观众的共鸣，它能把人带入一个神秘的特殊境界——或典雅、或庄严、或压抑等。4、笔触触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹，恰当的笔触应当述说着画家的情感和对美学偏好，也能敏锐地显现着不同时代审美趣味的变更。比如，鲁本斯饱蘸稀薄明亮颜色的大笔，涂抹留下的自由奔放、多呈曲线的笔触，给人强烈动势和戏剧性冲突之感；哈尔斯轻快灵活的笔触下描绘的肖像，让人读出人物神采奕奕的生动感。
雕塑艺术语言是怎样的？
（1）雕塑艺术最主要的语言：物质实体性的形体及其空间变化，是立体造型；作为立体造型的雕塑，其主要语言虽是物质实体性的形体及其空间变化，但它在多数情况下不象建筑那样具有中空的空间和时间艺术特征。（雕塑艺术是立体造型，即用三维空间的体积，表现某种形象和节律达到交流思想感情的目的。其次，雕塑艺术由于形象比较简括，所以宜于抒情而不长于叙事，从某种意义上说，雕塑正是形体化的“诗”。第三，雕塑的表现手法是高度概括的，它往往成为一个国家一个城市，一个时代的标志，带有某种“强迫性”，让人非看不可，从而像建筑一样，直接成为人们生活环境的一个部分。最后，正由于雕塑与大众生活环境融而为一，所以它既是提高的艺术，又是普及的艺术。）建筑艺术语言：面，体形，体量，空间，群体环境；绘画艺术语言：运用线条，色彩，明暗，笔触等造型语言在二维平面上塑造艺术形象，以表达人的思想感情的艺术；工艺美术语言：是一种范围很广的实用美术，表现着生产的发展和人们的物质生活水平，也体现着一定时代，民族和阶层的艺术观点和艺术水平。（2）综合以上四种不同艺术门类的艺术语言，可以概括出雕塑艺术语言与建筑，绘画，工艺美术等艺术语言的共同点都属于“造型艺术”范畴；都是对现实生活的一种再创造。（造型艺术有着“面”和“体”体型和体量的形式语言，都是在对现实生活的体验之上提炼出来的，人们能看得见，摸得着的具体的实物性的艺术，都具有一种再创造的意思，都包涵作者的某种感情和寓意在里面， 因此可以说他们的相同点就是都属于造型艺术的范畴， 都具有再创造懂得精神，是一种具体的实物。 ）3 综合以上四种不同艺术门类的艺术语言，可以概括出雕塑艺术语言与建筑，绘画，工艺美术等艺术语言的区别在于：雕塑艺术与绘画艺术的区别：绘画艺术是在二度平面上塑造艺术形象， 以表达人的思想情感的艺术，它区别于雕塑艺术最主要的特征是实体的平面性； 而雕塑艺术是三度空间的造型艺术。（举例出比如油画作品和一般的城市雕塑作品的区别即可知道绘画艺术和雕塑艺术之间的区别。）雕塑艺术与建筑艺术和工艺美术的区别： 雕塑艺术与建筑艺术和工艺美术都是三维的空间艺术，但有体积和体量的关系不一定就称为雕塑， 重要的是看要使体积和他们形成的空间体现出一定的思想感情才会形成雕塑艺术， 但它在多数情况下不像建筑那样具有中空的空间和时间艺术特征。这是雕塑艺术区别于建筑艺术，工艺美术最重要的特点。（雕塑艺术的语言中有两个值得注意的特色： 一是雕塑艺术特别讲究影像，影像的表现力特强，不需要细看，一接触就把你抓住；二是要组织突出点。 ）
雕塑的语言是什么？
雕塑艺术最主要的语言是：物质实体性的形体及其空间变化。雕塑艺术是立体造型；作为立体造型的雕塑，其主要语言虽是物质实体性的形体及其空间变化。 1、雕塑的“形体”是说雕塑是物质性的，实体性的，是可以触摸的。如中国著名的雕塑艺术作品有：北魏云冈石窟的“大佛”和“鸠摩罗天”，龙门奉先寺卢舍那大佛、敦煌盛唐彩塑菩萨等，都是实际存在的物体实体。2、雕塑的“空间”是指雕塑是三维的、立体的，是有深度的，是可以环绕它进行多角度体验的。如米隆《掷铁饼者》中高扬的双手和即将飞出的铁饼，卡瓦诺《丘比特之吻》中飞舞的翅膀，布莱尔《弓箭手赫拉克勒斯》以及印度古代雕像《湿婆舞蹈铜像》中巨大的动态和时间过程，都表现的是雕塑的空间变化。扩展资料：雕塑艺术的特点：1、雕塑艺术是立体造型，即用三维空间的体积，表现某种形象和节律，达到交流思想感情的目的。2、雕塑艺术由于形象比较简括，所以宜于抒情而不长于叙事，从某种意义上说，雕塑正是形体化的“诗“。3、雕塑的表现手法是高度概括的，它往往成为一个国家、一个城市、一个时代的标志，带有某种“强迫性”，让人非看不可，从而像建筑一样，直接成为人们生活环境的一个部分。4、正由于雕塑与大众生活环境融而为一，所以它既是提高的艺术，又是普及的艺术。参考资料来源：百度百科-艺术语言参考资料来源：百度百科-雕塑艺术
关于毕加索的艺术作品？
毕加索的艺术生涯几乎贯穿其一生，作品风格丰富多样，后人用“毕加索永远是年轻的”的说法形容毕加索多变的艺术形式。1937年初，毕加索接受了西班牙共和国的委托，为巴黎世界博览会的西班牙馆创作一幅装饰壁画。构思期间，1937年4月26日，发生了德国空军轰炸西班牙北部巴斯克重镇格尔尼卡的事件。德军三个小时的轰炸，炸死炸伤了很多平民百姓，使格尔尼卡化为平地。德军的这一罪行激起了国际舆论的谴责。毕加索义愤填膺，决定就以这一事件作为壁画创作的题材，以表达自己对战争罪犯的抗议和对这次事件中死去的人的哀悼。于是《格尔尼卡》就此诞生了。扩展资料：毕加索的超现实主义：很快，毕加索步入了他生命中最神秘的“超现实主义”探索，当撕裂的造型（《格尔尼卡》）、深邃和凶残（《女主角》）代替了以往的忧郁或是怪诞的时候，毕加索的生活也陷入了一个个的旋涡。他开始以放荡不羁的个人形象展现在公众面前。女人们在这个狂暴、贪婪的男人身上渴望着分享他的艺术灵感与名气，但她们得到的却只是虚无而残酷的现实；相对感情而言，毕加索更看重她们的身体，为了使她们在使他娱兴之余成为他听话的创作工具（《哭泣的女人》、《自我陶醉的女人》），他甚至使用了许多令人瞠目的低级手段。1927年 邂逅年仅17岁的玛丽·德蕾莎·沃尔持，成为毕加索的模特。并生下女儿马姬；1929年 与雕塑家贡萨列斯一起创作雕塑和铁线结构。作以女人头像为题的攻击性系列画作，显现婚姻危机，结识达利；参考资料来源：百度百科—毕加索
毕加索各艺术时期代表作
1、童年时期1889年，毕加索完成第一件油画作品《斗牛士》；1894年，首度展出作品。1895年，毕加索进入巴塞罗那的隆哈美术学校。1897年，他又进入马德里的皇家圣费南多美术学院就读，油画作品《科学与慈善》获马德里全国美展荣誉奖，后来又在马拉加得到金牌奖。2、蓝色时期这个时期作品背景蓝，人物蓝， 头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他一切作品，背景简化（如《熨烫衣服的人》），避开光感和深度的感觉，把人物结合成一种简单的图样，其中沉重，强烈而流动的线条，给人以不真实的、虚拟世界的印象（如《两姐妹》）。3、玫瑰时期毕加索的油画进入了完全新的世界，一个与流浪艺人和杂技演员接轨的世界，于是也有人称之为"马戏团风格"（《马上的姑娘》）。在这时，毕加索的声望使他得到了与众多女人接触的机会，在这个充满欲望和希图的时代，他用公牛一般的意志统辖着他的女人们（《玫瑰色的裸女们》）。4、艺术转折时期在1907年，毕加索从事一件有重大意义的作品的创作，标志着他未来的活动朝现代派方向发展的开端。这部作品就是《 亚威农的少女》。他采用灵活多变且层层分解的、雄浑有力的、宽广而有概括性的平面造型的手法，把形体的结构随心所欲地组合起来。5、立体主义时期1909年 解析立体派开始；创作《费尔南德头像》；1912年 把上胶的纸贴到画上，进一步发展立体主义；1917年 在意大利邂逅舞者欧嘉·科克洛娃，创作《欧嘉的肖像》；1918年 与欧嘉结婚，与马蒂斯举行联展；1920年 手工彩绘珂罗版《三角帽》；1922年 创作《海边奔跑的两个女人》。
