艺术的故事有哪些？
1、齐白石奇思妙想，蛙声十里处山泉1951年夏天，老舍先生到齐白石家中做客，老舍从案头拿起一本书，随手翻到清代诗人查慎行一首诗《次实君溪边步月韵》，有意从诗中选取一句“蛙声十里出山泉”，请齐白石用画去表现这一主题。这诚然是朋友之间的游戏，更是伟大艺术家之间的“暗中较量”。齐白石经过几天的认真思考，根据老舍写给齐白石的信件内容（蛙声十里出山泉，蝌斗四五，随水摇曳，无蛙而蛙声可想矣。）的“出山泉”三字得到了启示，就在“泉”上作文章。齐白石凭借几十年的艺术修养，对艺术的真知灼见，经过深思熟虑，画成了《蛙声十里出山泉》。水墨点缀的山间奇石，一条小溪清澈流淌，三三两两的小蝌蚪在溪流间欢快的游着，它们该是听到了母亲的呼唤，于是顺流而下急切的投入到母亲的怀抱。一幅意味盎然的竖轴水墨画，以无声胜有声，望着画面我们仿佛真的能从水墨间听到那十里山泉传出的蛙鸣！白石老人以视觉艺术表现听觉艺术，以空间表现时间，构思巧妙，意蕴悠长，充分运用留白与欣赏者的想象力，堪称经典。2、京剧大师马连良马连良先生是我国著名的京剧表演艺术家。工老生，马派唱腔以其得名。就是这样一位舞台经验极其丰富的艺术家，却能一丝不苟的面对每一场演出，对艺术的敬畏与尊重之心令人感动。有一次，马连良和同为京剧名家的程派青衣演员李世济，同台演出他们的拿手好戏《秋胡戏妻》，这出戏讲的是鲁国大夫秋胡外出做官多年。回家之后为试验妻子罗敷女是否守妇道，便假扮浪荡公子戏弄妻子，后妻子迁怒与秋胡的不信任，秋胡认错夫妻二人和好的故事。这出戏马连良已经演过了数百场，应该说是驾轻就熟、烂熟于心。3、叶永青圣奥古斯丁说：“世界是一本书，不旅行的人只读了一页。”在一个艺术基金会的支持下，叶永青开始更便利地去看世界、了解世界。“在孟加拉的一些村子里，人们连一支铅笔都没有，就在铺盖上做他们的作品，在树枝做作品，用鸡窝做作品。用生活中稀疏平常的东西来进行创造。”在叶永青看来，那些作品是很打动人心的。“其实艺术是在每个人心里的东西。甘和苦，其实都跟你的行走和你的内心有关系，而不是像我们原来看到的那些表面上的东西。”说到做艺术，叶永青觉得现在很少有人愿意去吃那份苦了。真正“艺“的人，内心是有个魔鬼的。“做艺术是一辈子你都不会得到安宁的一个事情，就是你永远都会被一些东西折磨。就是一个人有表达的欲望，或者是有才能，或者是有天赋，这不是幸福，这是一个会难受的事情，因为当你的这个表达，或者是你的这种诉求不能得到满足的时候，你会非常痛苦，你会很受煎熬。如果你没有这份感受力和这个东西，你没有这个需求，你也不会想去把这个东西表达出来，那你不会受这个东西的折磨，那你会很幸福、很安详地过你的日子。但是一旦你有这样的一种感受力，而且这种感受力被压抑了，还有你没有寻找到这样的，你没有发现去把这些东西，把这种诉求转换出来的时候，你会非常难受的，这一辈子都解决不了。”4、文森特 凡高1888年冬天，修拉在巴黎引起人们的注意，塞尚在埃克斯的居地埋头工作，这时一位热情的荷兰青年离开巴黎，到法国南部去追寻南方的强烈的光线和色彩，他是文森特 凡高( Vincent vanCogh)。凡高1853年生于荷兰，是一位牧师的儿子。他深深地信仰宗教，在英国，还在比利时矿工中间，当过俗人传教士。他对米勒的艺术和它的社会寓意深有所感，决定自己也当个画家。他有个弟弟叫提奥(Theo)，在一家艺术商店工作，把他介绍给印象派画家。他这个弟弟很不寻常，虽然自己很穷，但却总是慷慨地帮助哥哥文森特，甚至资助他去法国南部的阿尔勒。文森特指望能在那里专心致志地工作几年，有朝一日他就能卖掉他的画，报答慷慨大方的弟弟。文森特在阿尔勒选择了一个僻静的地方住下来，他在寄给提奥的信中，写下了他的全部想法和希望，读起来好像一本连续的日记。这些信件出自一位几乎是自学的寒微的艺术家之手，他根本不知道他会享有盛名。那些信件是全部文学作品中最感人和最振奋人的作品之一，我们能够从中感觉到艺术家的使命感，他的奋斗和胜利，他的极端孤独和渴望知音，而且我们意识到他在以无比的热情极为紧张地工作着。不到一年，1888年12月他身体垮了，得了精神病。1889年5月，他进人精神病院，但是还有清醒的时候可以继续作画。凡高痛苦地挣扎着又持续了14个月，1890年7月凡高结束了自己的生命一一跟拉斐尔一样，死去时37岁，他的画家生涯还没有超过10年；他的成名之作是在3年之中画成的，那3年时间还夹杂有病危和绝望的时期。今天大多数人都知道其中的一些画；他的向日葵、空椅子、丝柏和一些肖像画用彩色版复制出来，到处流传，在许多简朴的房屋里都能见到。这正是凡·高所希望的结果。他想让他的画具有他激赏的日本彩色版画那种直接而强烈的效果，他渴望创造一种纯真的艺术，不仅要吸引富有的鉴赏家，还要能给于所有的人快乐和安慰。然而事情并不仅此而已。复制品都不是尽善尽美的。廉价的复制品使凡高的画看起来比原画要粗糙，人们有时可能会厌烦。一且发生这种情况，就到凡高的原作前面去，看看即使在使用最强烈的效果时他画得仍是多么微妙，多么深思熟虑，就会有全然意外的感觉。5、李秋实在整个艺术发展史上，版画与雕刻、印刷术密不可分，是一种古老的艺术表现形式。传统意义上的版画，是一种单一的画种；近代意义上的版画，则更多超越了绘画的意义，变成一种启蒙运动的武器。1931年，随着左翼启蒙运动的发展，以及鲁迅的大力提倡，木刻版画开始异军突起。其刚劲有力、色彩分明，给大众带来了振聋发聩的作用，很快，版画就成为了中国革命的一部分，从此新兴版画与广大底层群众的命运紧紧相连，与中华民族的解放事业密不可分。从这个意义上看，李秋实《那年的岁月》表现出来的是对沧桑的历史的沉思，也是对未来的展望。《那年的岁月》是一幅综合版画，由10幅作品组成，作品中的主要形象是草鞋，而草鞋恰是艰苦年代的象征。在其他材料上，李秋实选用废弃的厚塑料片，剪成各种细小的、不规则的形状。对此，李秋实表示，“我对草鞋编织的过程和叠压出来的质感特别感兴趣，正好综合版画的材料性能可以与画面的肌理和质感相融合，于是我便采用现代的工业材料和拼贴手段的综合材料印制，以表现出现代元素的设计趣味。”在李秋实的这幅作品中，观赏者的第一印象便是现代化。他运用了一些现代的绘画语言，如圆、点、线、面等，并不是直接利用了一个草鞋的形象，而是将这些现代的元素组合成了一双草鞋。经过这样的一番构造，李秋实说，他想表达一些更深层次的意义，通过一些当下时代的讯息，刻画出属于另一个时代的印象，使受众看到脱离表象的艺术品背后的深意。表象与本质，时代与意义，这也许是每个艺术家都在追求的艺术语言。对于作品，李秋实坦言，仍然有很多不足的地方。“（版画）理念表达与印制技术结合方面还需要完善。但在综合版印制某些特定的内容过程中，作品出现了与最初想法有差异的地方，形成了一些不可控的偶然效果，这些偶然出现的因素让我很兴奋。”将《那年的岁月》与李秋实此前的作品对比，会发现这一作品的表现方法更加灵活，形式更加多样化，包含了画面构成、几何切割、颜色套印等方面。“虽然版画制作复杂，但我最开心的便是能印制出一张精致的、较之前有技术突破的作品。”这么多年的版画经历中，这依然是李秋实最单纯的诉求。谈及国家艺术基金时，李秋实说，国家艺术基金的资助对青年艺术家的艺术创作起到非常大的促进作用，它肯定了青年艺术家的努力付出，从某种角度上讲，增加了青年艺术家的创作动力。能够资助他们创作出一批优秀的艺术作品，这种结果不仅对个人艺术生涯的发展起到作用，对社会文化、中国艺术的发展都具有重要的意义。
艺术的故事介绍
1、《艺术的故事》是广西美术出版社出版的图书，作者E.H贡布里希。本书概括地叙述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，每一件作品在这历史中都既回顾过去又导向未来”。
2、在那项帮助人们熟悉艺术的伟大事业中，《艺术的故事》是一部巅峰之作。我无法表达自己对于这一新版本的赞美之情。设计优雅，图文辉映，插图悦目赏心，文字清晰闪光；所有这一切，使新版熠熠生辉。此书值得一读再读，就像美酒佳酿那样，愈加品赏，愈觉其味隽永。——美国国立艺术馆馆长卡特·布朗，1995年。
3、我们这一代的每一位艺术史家，其思考绘画的方式都几乎是由贡布里希塑造成形的。我在15岁时阅读了《艺术的故事》，从此以后就像干百万人一样，仿佛被授予了一幅伟大国度的地图，凭此可以信心百倍地深入探索，无须担心走入歧途。——英国国立美术馆馆长尼格格雷戈，1995年。
有关艺术的故事
1、王羲之在兰亭修禊之前来到天台山，被神奇秀丽的天台山风景吸引住了，便在华顶住了下来。他尽情欣赏日出奇观和云涛雾海，这些山光胜景使他的书法也得到润色。他不停地练字，不停地洗笔洗砚，竟把一个澄澈清碧的水池都染黑了墨池就是这样得名的。
2、有一天夜里，王羲之在灯下练字，练呀练呀，白纸写了一张又一张，铺得满地都是。夜深了他还逐个字逐个字细看着，思考着。对自已所写的字，他还不满足，又看又练，实在练得太疲倦了，握着笔伏在案上。忽然，一阵清风过处，一朵白云飘然而至，云朵上有位鹤发银髯的老人，笑呵呵地看着他说：“你的字写得不错呀！”
3、“哪里，哪里！”王羲之一边让坐，一边谦虚地回答。他见这位老人仔仔细细地观看自已写得字，便请教说：“老丈啊，请您多多指正。”
4、老人见王羲之一片诚心，说道：“你伸过手来。”
5、王羲之心里纳闷，老人要做什么呢？他见老人一本正经，不像开玩笑，便慢慢地伸了过去。老人接过笔，笑容可掬地说：“我看你诚心诚意学写字，让你领悟一个笔诀，日后自有作用。”老人说完，在王羲之的手心上写了一个字，然后点点头说：“你会更快进步起来的。”说罢去了。王羲之急忙喊道：“先生家居何处？”只听空中隐隐约约地传来一声：“天台白云……”
6、王羲之一看手心是个“永”字，他比呀划呀，写呀练呀，终于领悟了：横竖勾，点撇捺，方块字的笔划和架子结构的诀窍，都体现在这“永”字上。白云先生授的真是好笔诀！此后，王羲之练得更勤奋了，他的书法也更加洒脱了，奇妙了。
7、以后，王羲之回到绍兴，与文友在兰亭欢聚时，挥笔写下了千古流传的书法珍宝《兰亭集序》。王羲之念念不忘天台山白云先生的“永”字笔诀，诚心诚意地写了一部《黄经洞》，放在山顶一个突兀峭险的岩洞里，后人就叫它“黄经洞”。
艺术的故事
8月份时候，翻开了这本买了好久却没有认真读一读的贡布里希《艺术的故事》
断断续续看了进两个月，特别是中间部分看得有些晕，但还是注意力就快消耗殆尽的时候，读完了它（而它真的很厚）回顾书中进三十多个章节，个人反而觉得序言和导论以及最后的24-28的章节是最精彩也是最好看的。
在这本书里，没有那些吓死人的学术词汇，没有那以专家学者的身份居高临下的写作态度，而是用着一种平实幽默而谦逊的语言，
如同一位“贡老师”带你走进博物馆，缓缓指着墻上那副《阿尔诺非尼的订婚式》告诉你，这幅画中作者凡戴克是如何用油替代了蛋液，不但使得色彩相互转化得到柔和的过渡效果，
而且沾上颜料的画笔在画面上能点出闪闪发亮的高光（highlight)，大大丰富了画面的细节。
贡布里希大大本着为“艺术”科普的想法，前前后后对这本书修改了无数次。在书中他也为我们解答了许多人们在今天接触到艺术、或者进入艺术馆时大多数人会带着的疑惑与问题。
当我们在艺术馆的时候，我们看到了什麽？
关于“美”的趣味
人们总会有种习惯，认为自然应该永远和我们司空见惯的图画一样，当我们面对自身所熟悉的题材时，画家所使用的“未曾想到的方式去画......往往会遭到责难”。今天的我们在踏入美术馆之前，相信每个人自身早已就有一套关于“美”的观念，而我们关于“美”的观念一直以来，也被自身所生活的文化语境所塑造。
在没有理论文字告诉我们某些原始艺术品的自身的用途及其意义时，我们会觉得一幅因纽特人的舞蹈面具会有些戏谑搞笑，孩子们也许会觉得好玩，大人们也许会体验到这种跨文化观看所带来的惊奇感与新鲜感。但当我们知道它所表达的是一个满脸血污，吃人的可怕山鬼时，我们可能会认为这件带着某种“神秘笑容”艺术品着实令人毛骨悚然。可是这在当时的因纽特人看来，却是有着某种神圣严肃的含义，代表着他们与神灵及大自然联系，因此我们在不了解一件艺术品时，很难界定它所带给我们的是审美的愉悦还是对神圣的畏惧，或者是某种消费狂欢，“先入为主”的审美趣味造就了我们与它们的隔阂。
而今天我们关于“美”的观念，在过去也许是传统的，宏大的，民族或者国家层面叙事的。而在今天，大概正如艾柯在《美的历史》中所说，是由“商业消费世界”所提供的，是“仿象”的，破碎的及个人化的。在这里我很难完整的描述它的具体形态，但是有一个有趣的个人例子，学室内设计的大学同学近期向我展示出了他的近期人气作品，在一系列的家装设计效果图中，总结出了许多关于今天人们家庭装修设计中的元素，它们的关键词是：仿大理石、高脚杯、巴洛克风，极简主义。也许这一切，我想早在布迪厄的书中已经表明了：人们的趣味，来自于自身所处的阶级。
从来就没有艺术，只有艺术家
一方面，今天我们所看到了许多名画的大师们，在历史上他们大多为宗教信仰所服务，所绘画的母体大多是圣经的内容，譬如达芬奇的《最后的晚餐》（The last supper），米开朗基罗在西斯廷礼堂天顶画中所描绘的创世纪以及诺阿的故事。
而另一方面，他们也为“有闲价级”所服务，这些生活在城堡里的领主贵族，大航海贸易的商人们掌握了大量的财富资本后，通过获得艺术这一文化资本以彰显他们的荣耀与社会地位
这时的画家们与其说是艺术家，其实更多的是工匠罢了。而在财产私有出现以后，“只会画画的人们”有钱了，他们不再依附于当时的王公贵族。
自从印象主义者们开启了现代艺术，到杜尚搬出了那个著名“小便池”,人们观念中的艺术家这一职业开始变得神秘起来。艺术似乎开始变得不关心社会，与大众无关，而且“为艺术而艺术”，关于这一观点，杨小彦老师在《艺术家的根本价值在于，他不肯成为一个合谋者》中就指出“艺术家作为一种社会形象，总是和“优雅”、“另类”、“高尚”、“享受”、“先锋”等当下的消费符号挂钩。对艺术的消费于是就成了一种特殊的时尚而受到鼓励。要知道，公众在消费艺术的同时，艺术也在消费由它开创的名声。结果是，艺术创作成了一个封闭的竞争场，彼此之间为了一种可以和价格与名声相联系的“独特性”而奋斗。事实上也的确如此，一旦艺术成为一个圈子运动，一旦艺术能够获利，艺术家干嘛还要那么不切实际地去关心社会呢？社会又与它有何相干？”
艺术是什么？
“虽然我明白任何讨论艺术的企图都无法接受逻辑的检验，但我坚持认为，把艺术家视为工匠，把艺术看成是工具，其根本错误是否认了艺术的独立性和自足性，否认艺术可以成为人们的一种情感状态和思想方式。”
------杨小彦
提到艺术，今天它已经和一切有关“品味”“优雅”的符号消费联系在了一起，成为人们所渴求的“文化资本”的一部分。
而我曾一度认为“艺术”指的就是卢浮宫里的那几幅古典主义油画和历史上的那些个著名“大师”，是有关于西方绘画的一段历史。从今天的各种相关理论和艺术史的书籍书写观点来说，甚至有种偏见，它以“西方”为主俯瞰世界艺术史。但在书中贡布里希至少解答了我的第一个问题关于“从来就没有艺术，只有艺术家”。
美国社会学家马克思韦伯说，人是悬挂在自己所编制的意义之网上的动物。而一切的一切都还是回归到我们自己作为人的本身，自史前人类在南法的雪维洞穴留下那个”手印“一开始，艺术是源自于精神信仰，它是早期的“我们”人类面对残酷自然所构建的精神寄托，正如赫拉利所说它成为我们构建的想象共同体的一部分，一直延续到今天的现代社会。从农业革命
用“多余食用粮”所养活艺术，到工业革命的生产力解放，“艺术”一直变换着不同的“文化”形态，成为统治者和精英阶级及其人们构建想象秩序的工具。
同样的，不能完全的从“艺术工具论”的角度对它进行解读。从人类层面来说，艺术作为哦我们表意“语言”的一种，它当然具有自身的“独立性”，是我们秉持着某种信仰，表达那些黑夜里的痛苦、无人能说的辛酸、，看到大山海洋以及平凡与快乐时，内心所留下的一条逃避幽暗密闭时刻的绳索。
注释
①贡布里希，范景中译，《艺术的故事》，广西美术出版社 ，2008，240页
②贡布里希，范景中译，《艺术的故事》，广西美术出版社 ，2008，50页
③翁贝托-埃柯，彭淮栋译，《美的历史哦》，中央编译出版社，2007
④雅昌专栏，《杨小彦：艺术家的根本价值在于，他不肯成为一个合谋者》，2018年11月13日，网址：https://news.artron.net/20181113/n1032478.html
⑤雅昌专栏，《杨小彦：艺术家的根本价值在于，他不肯成为一个合谋者》，2018年11月13日，网址：https://news.artron.net/20181113/n1032478.html
⑥尤瓦尔-赫拉利，林俊宏译，《人类简史-从动物到上帝》，中信出版社，2014年11月，81页
